En primer lugar, me ha parecido divertidísimo porque hasta hace poco no entendía ni disfrutaba haciendo arte abstracto. Siempre tenía un pie plantado firmemente en una imagen, aunque me desviara de ella en el lienzo.
En segundo lugar, de repente me di cuenta que mi trabajo últimamente se ha vuelto cada vez más abstracto. Empezó con los paisajes playeros y, poco a poco, se ha ido desdibujando y fragmentando, hasta el punto de que ahora tengo unos cuantos “casi abstractos” y varios cuadros totalmente abstractos. No elegí la abstracción, incluso pensé que no me gustaba y que no podía hacerla, sino que simplemente empezó a suceder.
La pregunta me hizo pensar: ¿Cómo se puede hacer un cuadro abstracto que funcione? Naturalmente, eso depende en parte del espectador, pero para mí hay cosas que hacen que un cuadro abstracto tenga más éxito.
¿Cómo se empieza a entender el arte abstracto?
Mire el arte abstracto de la misma manera que escucharía una sinfonía. Cuando escuchas música, no intentas aferrarte a las notas, sino que dejas que te inunden. Deje que sus ojos vaguen por el cuadro de la misma manera que las notas de una sinfonía bañan su alma. Deja que tus ojos jueguen con el cuadro, que se deslicen por las esquinas, que sigan los giros, las vueltas, que se sumerjan y salgan de la superficie. Deja que tus ojos bailen alrededor de la obra.
En lugar de intentar averiguar cómo es el cuadro, déjate llevar por él. Observa qué emociones, sensaciones o recuerdos surgen. Deja que tus ojos se relajen y recorran la obra sin expectativas. Examina los colores, las formas, los materiales, la superficie y cómo interactúan entre sí. Tómate tu tiempo. Deja que el cuadro te “hable”.
Observa cómo te afectan los distintos elementos, como la forma y el color. Un cuadro vibrante y lleno de detalles le afectará de forma diferente a uno tranquilo y frío.
Observa las dos obras de arte que aparecen a continuación. ¿Qué diferencias hay en la forma en que te hacen sentir?
Entender el arte abstracto requiere una inventiva que te invita a descubrir por ti mismo el significado que hay detrás de la obra. No es fácil de entender, como las naturalezas muertas, los retratos u otras formas de arte representativo, porque está abierto a la interpretación de una manera que el arte representativo no lo está.
Habilidades que necesita un artista abstracto
En las conversaciones en torno al arte y la habilidad, a menudo asumimos que el enfoque es el realismo. Nuestro objetivo es conseguir efectos realistas en nuestro arte. Pero, ¿Qué pasa con nuestros artistas abstractos? ¿Cómo pueden los artistas que disfrutan y se centran en la abstracción desarrollar su habilidad?
Quiero empezar por definir la abstracción para asegurarme de que estamos en el mismo ritmo. El arte abstracto es un género de arte que suele distorsionar las imágenes y los objetos que nos rodean mediante la simplificación. Un libro para colorear es un gran ejemplo de abstracción: Suelen estar llenos de animales y personas, que reconocemos como tales, sin embargo, no son realistas. Están hechos de formas y líneas simples.
Por lo general, los artistas abstractos simplifican las formas inspiradas en el mundo que nos rodea. Pero hay otra forma más extrema de abstracción llamada arte no objetivo. El arte no objetivo es un tipo de abstracción en el que no hay una conexión obvia o intencionada con imágenes, objetos o formas de la vida real.
Entonces, si no se necesitan referencias de imágenes y, por tanto, no se preocupan cosas como la semejanza o la proporción, ¿en qué puede centrarse un artista interesado en la abstracción?
Uno de los aspectos más importantes para un artista abstracto es el uso de la composición.
Comprensión sólida de la composición
La composición es el modo en que se disponen las marcas, los colores, las texturas, etc. que hacen en los sustratos (la superficie sobre la que se trabaja).
Cuando se trabaja en la abstracción, atraemos a los espectadores con estas decisiones artísticas. Por eso también es tan importante el elemento del color en el arte, y nuestra segunda área de habilidad. Los artistas abstractos generalmente necesitan tener confianza con el color.
Confianza en el color
Hay obras donde se consigue combinar un bonito tono de naranja y rosa que destaca más por el uso del azul. Es un excelente ejemplo de cómo aprovechar la teoría del color y la composición.
Uno de los mayores problemas a los que se enfrentan los artistas que trabajan con el color es que no siempre ven el valor (los pasos de la gradación de la luz y la oscuridad) dentro de sus opciones de color y cómo eso afecta al producto final.
Si el color no es lo tuyo, no estás seguro de si estás trabajando con tu valor cuando se trata de color, o en general te gustaría construir tu confianza cuando se trata de color.
Conocimiento y comprensión de los principios del arte
El área de enfoque sugerida para los artistas abstractos es una más grande.
Conocimiento de los principios del arte: Equilibrio, contraste, énfasis, movimiento, patrón, ritmo y unidad/variedad.
Cada uno de los principios podría tener su propia descripción y ejemplo, pero quiero hablar de ellos en términos de pensar en la obra de arte terminada.
Cuando hacemos arte, es muy valioso tomar descansos en los que nos alejamos y pasamos tiempo observando la obra. Estos principios pueden ser una gran lista de control para ayudarte a evaluar tu trabajo y tomar mejores decisiones sobre tu proceso artístico.
Es el tipo de arte que hace que algunas personas se rasquen la cabeza y digan: “Eso lo podría hacer un niño de 5 años”. Lo que la gente no se da cuenta es que los mejores artistas abstractos tienen una excelente capacidad de dibujo, un afinado sentido de la composición y un profundo conocimiento del funcionamiento del color. La mayoría de los artistas abstractos tienen la capacidad de dibujar una rosa perfectamente representada o un retrato realista, pero deciden no hacerlo. En su lugar, optan por expresar su creatividad creando una experiencia visual más libre y sin el peso de los objetos.
El arte abstracto también puede incomodar a la gente porque no sabe automáticamente de qué trata el arte con un simple vistazo. O asumen que, como no se parece a nada, no “trata” de nada. El arte abstracto no contiene objetos reconocibles, por lo que no hay nada a lo que agarrarse. Esto puede resultar muy confuso, incluso amenazante, para quienes no están acostumbrados a asignar su propio significado a lo que ven.
La verdad es que el arte abstracto no es “sobre nada”. En su base, se trata de la forma, el color, la línea, la textura, el patrón, la composición y el proceso. Estas son las cualidades formales de la obra de arte, porque describen el aspecto del arte y cómo se crea. El arte abstracto es una exploración de estas cualidades formales. El significado se deriva de cómo se utilizan estas cualidades formales para crear una experiencia visual (y/o visceral, cerebral, emocional, etc.).
El punto de cruz diamante es una nueva técnica muy parecida al punto de cruz, pero en este caso, no hace falta coser. Esta técnica utiliza pequeñas piedras de colores en lugar de hilos y no hace falta usar ninguna aguja. También es conocida con el nombre de falso punto de cruz.
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Consejos para empezar a hacer una pintura abstracta
Utiliza una imagen de referencia
Esto puede sonar contradictorio, pero tener un punto de partida específico me ayuda mucho, especialmente como alguien que viene de un fondo representativo. No siempre utilizo una, pero a veces me gusta tener una de mis propias fotos a mano, o algo que he encontrado en Pinterest {de este tablero}, para tener una pauta a seguir en términos de una composición que ya funciona.
Por lo general, es más bien un trampolín, y en realidad no importa cuál sea el tema de la foto; suelo abandonar la referencia muy poco después de empezar. Sólo ayuda a poner las cosas en marcha.
Tener un punto focal
No tiene por qué ser algo reconocible, pero tener un punto de partida o de llegada para el ojo que se pasea por el lienzo ayuda a que el cuadro tenga sentido y resulte satisfactorio. Por lo general, es conveniente que el punto focal esté fuera del centro, por la misma razón.
En este caso, el gran lazo blanco de la parte superior sirve para atraer la mirada desde el “camino” de la mitad inferior hacia el horizonte. No es un punto focal en la cara, pero ayuda al ojo a desplazarse, que es lo que el ojo quiere hacer.
Tener en cuenta los valores
Aunque hay abstracciones con muy poca gama de valores que son absolutamente hermosas, no es algo que haya dominado todavía. En cierto modo es más difícil, porque tienes mucho menos con lo que trabajar, así que tienes que tener mucha más confianza y práctica. Pero no dejes que eso te disuada de intentarlo.
Una gama de valores muy limitada puede hacer que un cuadro parezca superficial y sin nada significativo que decir. También puede confundir al espectador si no hay un camino suficiente para que el ojo lo siga, aunque sea sutil.
Se sugiere empezar con muchos oscuros y eliminarlos gradualmente. Añadir y quitar es una de las maneras más fáciles y más indulgentes de construir un cuadro, porque sólo hay que seguir hasta que las cosas empiezan a funcionar juntas.
Sigue girando para comprobar el equilibrio
Este es un consejo válido para cualquier cuadro; cuanto más lo hagas, más fácil será ver al instante lo que está desequilibrado. Equilibrio no significa que todo sea igual o que tenga el mismo aspecto -eso no es interesante para el ojo e irónicamente tiende a significar que está desequilibrado-, significa que todas las partes del cuadro funcionan juntas y dentro del marco de los cuatro bordes.
Comprueba los bordes
Los bordes son tan importantes para el éxito de un cuadro como lo que se pone dentro de ellos. Pueden ayudar a anclar el cuadro, a crear un desequilibrio agradable o a sugerir que hay algo más en el escenario. No los pierdas de vista mientras pintas y no dejes que el punto focal se pierda flotando en el centro.
Fíjate en que, en este caso, un par de postes entran por la derecha y, a la izquierda, parte de la hierba desaparece por el borde. Si no hubiera tenido nada tocando los bordes no se vería bien. {Intenta bloquearlos con los dedos – ¡verás lo que quiero decir!}
Variar las marcas
Las marcas son algo fascinante. Hablan entre sí, de modo que cada una de ellas contribuye a la conversación. Depende de ti crear una conversación armoniosa, o incluso inconexa, pero que pueda ser “leída” por el espectador, aunque no haya dos personas que la lean igual. El arte está lleno de paradojas.
Me gusta esforzarme por crear tantos tipos de marcas diferentes como pueda mientras trabajo; es sorprendentemente difícil porque caemos en patrones y hábitos. Por ejemplo, tengo un profundo amor y un hábito permanente de hacer marcas verticales, así que tengo que tener cuidado de equilibrar eso con más horizontales de las que podría pensar en hacer.
Utiliza tus sentimientos
Como el arte abstracto no tiene un tema reconocible, el tema puede convertirse en pura emoción. Puedes hacer un cuadro mientras bebes vino y bailas, y estas de un humor fabuloso mientras lo hacía.
Así que canaliza lo que sientes y deja que te sirva para pintar. Obviamente, esto también puede ser muy catártico.
Tener un concepto
Algo con lo que he estado jugando mucho últimamente es la idea de pintar “el tiempo”. Eso no significa pintar literalmente cielos azules o lluvia, sino la sensación que transmite el tiempo, en particular el viento. No sé por qué -el viento es la condición meteorológica que menos me gusta-, pero a menudo, cuando pinto, pienso en el viento y en su “aspecto”. Me ayuda a mantener los cuadros dinámicos y vivos.
Podrías elegir un concepto menos violento. No importa lo que sea, sólo que te inspire y te ayude a mantener la concentración. Pasar de un concepto a otro puede dar lugar a un cuadro confuso y desordenado.
