Estudiar interpretación requiere mucho compromiso y trabajo duro. Al igual que muchas formas de arte, la actuación es un arte que nunca se puede perfeccionar. Siempre hay una oportunidad de aprender y construir una base sólida a través del dominio de las técnicas de actuación es siempre un gran enfoque. Además, hay muchos ejemplos de grandes actores que dan importancia a la educación continua, el aprendizaje y el desarrollo profesional asistiendo a clases de actuación.
¿Cuál es la alternativa al método de actuación?
La alternativa al método de actuación es la técnica de actuación imaginativa. El método de actuación se basa en la verdad y algunos actores destacados, como Stella Adler, consideraban que era mejor que los actores utilizaran su imaginación en lugar de basarse únicamente en experiencias de la vida real.
Las técnicas de actuación más conocidas
Si estás interesado en estudiar interpretación, hay una gran variedad de opciones disponibles para elegir y no hay un método que funcione para todo el mundo. Tú decides si quieres comprometerte con una sola técnica como base de tu oficio o si quieres añadir variedad a tu repertorio. En cualquier caso, es fundamental que conozcas al menos estos métodos de actuación más conocidos y exitosos que compartiremos contigo en este artículo.
A continuación, te presentamos una lista de las técnicas de interpretación en teatro que todo actor debe conocer:
Método Stanislavski
El Método Stanislavski es una técnica de entrenamiento sistemático desarrollada en Rusia por Konstantin Stanislavski. El sistema fue el primero de su clase en la industria, ya que hasta que Konstantin inventó este método, la actuación se había centrado en gran medida en el estilo de presentación, superficial y performativo. Stanislavski introdujo la idea de llevar el sentido del realismo al escenario y revolucionó la industria para siempre. Es fundamental que te eduques en las técnicas de Stanislavski, porque la mayoría de las demás técnicas de interpretación se basan en este marco.
En este método, el papel se divide en tareas y acciones. El actor tiene en cuenta las circunstancias del personaje, que incluyen:
- ¿Quién soy?
- ¿Dónde estoy?
- ¿Cuándo es?
- ¿Qué quiero?
- ¿Por qué lo quiero?
- ¿Cómo lo conseguiré?
- ¿Qué necesito superar?
Dentro de estas circunstancias, el actor encuentra la tarea o el problema del personaje preguntándose: “¿Qué quiero?” o “¿Qué necesito hacer que haga el otro personaje?”.
Los actores también utilizan el “magic if” o la práctica de imaginarse a sí mismos en las circunstancias del personaje. En los ensayos, el actor desarrolla estímulos imaginarios, que suelen incluir elementos sensoriales imaginados, que le ayudan a entrar en las circunstancias del personaje.
Técnica de actuación clásica
La actuación clásica es un término que engloba una serie de técnicas de actuación que se utilizan conjuntamente. Se centra en todos los elementos del instrumento del actor: El cuerpo, la voz, la imaginación y la capacidad del actor para analizar el guión y encarnar su personaje.
Aunque el método clásico de actuación es difícil de precisar (ya que es una combinación de varios métodos), se suele pensar que es una mezcla del sistema de Stanislavski junto con las enseñanzas de Michel Saint-Denis.
La formación clásica se imparte en la mayoría de las escuelas de arte dramático británicas, así como en muchas escuelas de arte dramático de todo el mundo. El actor recibe formación en el método de Stanislavski, pero también se le entrena para ser física y vocalmente abierto y libre. También se les forma en el análisis textual. El enfoque en el texto lleva a muchos a confundir la actuación clásica con la actuación shakespeariana.
Técnica de actuación del método
El método fue desarrollado originalmente por el actor y profesor estadounidense Lee Strasberg. Al principio de su carrera, Strasberg fue discípulo del sistema de Stanislavski. A medida que avanzaba en su carrera, quedó fascinado por algunos elementos clave del sistema de Stanislavski, a saber, la sustitución, el “como si”, la memoria sensorial, la memoria afectiva y el trabajo con animales.
Todos estos elementos están diseñados para que la interpretación del actor sea lo más realista posible desde el punto de vista emocional. Se anima a los actores a utilizar sus propias experiencias en la interpretación. La técnica de la memoria afectiva consiste en recordar una emoción especialmente fuerte de su pasado, lo que da lugar a una emoción real y no afectada.
Existe una idea errónea muy extendida de que el método de actuación implica sumergirse en el papel permaneciendo en el personaje fuera del escenario o de la pantalla. Algunos actores del método, como Daniel Day-Lewis, utilizan esta técnica, pero fue empleada por Strasberg en sus enseñanzas.
Técnica Meisner
La técnica Meisner, desarrollada por Sanford Meisner, contemporáneo y colega de Lee Strasberg, es también una rama del sistema Stanislavski. Meisner desarrolló esta técnica en la década de 1930 tras trabajar con Lee Strasberg y Stella Adler en el Group Theater de Nueva York. Sanford Meisner, Lee Strasberg y Stella Adler trabajaron juntos con los métodos de Stanislavski; sin embargo, acabaron separándose y creando sus propias técnicas.
Tanto Lee Strasberg como Stella Adler crearon sus propias escuelas después de separarse de Meisner, las cuales siguen existiendo hoy en día.
El enfoque de Meisner consiste en obligar al actor a salir de su propia cabeza, es decir, dejar de intelectualizar y empezar a responder al puro instinto. El objetivo de la técnica es liberar al actor de cualquier hábito o afectación y hacer que se abra y responda. Estar “en el momento” se utiliza a menudo para describir a los actores de Meisner.
El estudio de la técnica implica unos cuantos ejercicios distintivos, que se basan unos en otros. Estos ejercicios de repetición están diseñados para fomentar la espontaneidad y la libertad del actor y eliminar cualquier predisposición a “leer” una línea o realizar un movimiento de una manera determinada.
Técnica Chéjov
Michael Chéjov, sobrino del prolífico dramaturgo Antón Chéjov, se formó originalmente con Stanislavski. Sin embargo, empezó a sentir que su actuación era demasiado naturalista para su gusto. Desarrolló su propia técnica, que pretendía llegar al subconsciente y al sentido de la universalidad de la humanidad.
Su técnica utiliza ejercicios físicos para aprovechar estas nociones. En uno de estos ejercicios, conocido como gesto psicológico, el actor materializa una necesidad o deseo interno en un gesto. Al repetir o utilizar este gesto, el actor puede volver a interiorizar las emociones generadas por el movimiento físico y utilizarlas en su actuación.
La técnica, aunque se basa en el método de Stanislavski, se centra en la fisicalidad y busca interpretaciones menos realistas, sino más bien una representación de la realidad.
Técnica de actuación de la estética práctica
El método de estética práctica fue concebido por el dramaturgo estadounidense David Mamet y William H. Macy y se deriva de las enseñanzas de Stanislavski, Meisner y el filósofo Epicteto.
En este método desarrollado por David Mamet, los actores descomponen una escena mediante un análisis de cuatro pasos.
Los cuatro elementos de la estética práctica:
- Lo literal.
- El deseo.
- La acción esencial.
- El “como si”.
Estos términos son, en su mayor parte, reconfiguraciones de las circunstancias, los objetivos y el “como si” dados por Stanislavski.
La técnica de Uta Hagen
Uta Hagen también se basó en la técnica de Stanislavki. En este método, Hagen utiliza la sustitución, una práctica similar a la memoria emocional en la que los actores utilizan acontecimientos personales en lugar de los acontecimientos ficticios dentro del guión. Hagen creía que esta práctica crearía una reacción emocional verdaderamente realista.
La técnica de Viola Spolin
La técnica de Viola Spolin se basa en la improvisación. Llamaba a sus ejercicios Juegos de Teatro. Estos juegos estaban diseñados para animar a los actores a utilizar la espontaneidad en el escenario, tomando decisiones como lo harían en la vida real.
Aunque su método ha influido en muchos actores, su principal impacto fue en el movimiento de teatro de improvisación en Estados Unidos. Su técnica influyó en los actores de Second City y sigue siendo utilizada por la generación actual de la compañía.
Cómo elegir la mejor técnica de actuación para ti
Los métodos descritos anteriormente deben utilizarse como herramientas a las que puedes recurrir cuando necesites ayuda para encontrar y encarnar un personaje. Actuar es algo muy personal, por lo que es recomendable que experimentes para encontrar algo que te haga sentir cómodo y abierto en el escenario o en la pantalla.
Expresa tu lenguaje corporal y tono de la voz con la fuerza emotiva necesaria para que dejes con la boca abierta a tu público.
Interpreta el papel de tu vida o dicta una conferencia con una actuación inolvidable proyectando tu carrera.
¿QUÉ VAS A LOGRAR?
• Aprenderás con técnicas de respiración y movimiento a actuar de manera natural.
• Aprenderás a sorprenderte y a sorprender a usar tu creatividad de manera sencilla y poderosa.
• Aprenderás a gestionar emociones con ejercicios básicos de energía en tu voz tu cuerpo y tu respiración.
• Aprenderás a recorrer tu camino como artista de una manera simple, básica, auténtica y que todo realmente depende de ti.
• Aprenderás como conectarte de manera práctica con tu artista interior de una manera existencial, vivencial y divertida.
La importancia de la voz
La voz nos dice mucho sobre una persona. De dónde viene, su personalidad y cómo se siente.
La voz de un actor debe ser versátil, ya que debe ser capaz de comunicar una serie de emociones. Debe ser clara para que se oigan todas las palabras y tener suficiente fuerza y resonancia para llenar un auditorio.
Un actor también necesita un excelente control de la respiración para no quedarse sin fuerzas a mitad de una frase. Debe asegurarse de que el sonido que emite está bien apoyado por un aire constante, para poder pronunciar sus líneas de forma sostenida y controlada.
Elementos vocales a tener en cuenta:
- El tono: hablar con una voz alta, baja o natural.
- Ritmo: la velocidad con la que se habla, por ejemplo, la velocidad de respuesta en una discusión.
- Pausa: una pausa dramática en un momento crucial es muy eficaz en la interpretación.
- Tono: el tono sugiere su estado de ánimo y su intención hacia el oyente, por ejemplo, alegre o triste.
- Volumen: debe ser audible para el público, pero no debe gritarle.
- Acento: hay que tener en cuenta el acento que le conviene a su personaje.
Énfasis
Es la presión que se ejerce sobre las palabras individuales para que destaquen. El acento en las sílabas es natural cuando hablamos, como la primera sílaba de “col”. Pero el énfasis o la acentuación para un efecto concreto es importante y puede cambiar el significado de una frase, así como el sentimiento que hay detrás de ella.
Entonación
El ascenso y descenso de la voz. Hay un claro movimiento hacia arriba cuando hacemos preguntas, por ejemplo. La entonación también nos ayuda a decir lo que queremos decir.
Calentamiento
Antes de empezar a trabajar es importante calentar la voz para no forzar las cuerdas vocales. Practica estos ejercicios de calentamiento con la jefa de voz.
Entender el volumen
Es el volumen de la voz. Variar el volumen es importante para comunicar una serie de emociones y situaciones. La ira o la excitación pueden comunicarse con un volumen alto, mientras que el miedo puede mostrarse con una voz tranquila.
El volumen es importante en un gran auditorio. El actor tiene que ser capaz de proyectar su voz, pero seguir conectado a la verdad emocional del personaje. Esto depende de una buena respiración, por lo que los ejercicios de respiración para asegurar el apoyo de la voz ayudarán. Si te limitas a gritar sin producir la voz correctamente, el sonido se quedará atrapado en la garganta y tendrás problemas vocales, como pérdida de voz o dolor de garganta.
Recuerda que no necesitas “gritar” para que te escuchen, sino que el público necesita oírte.
Tono
El tono de voz es su “color” o cualidad emocional. Una madre puede hablar a un niño pequeño alterado con un tono de voz tranquilizador, pero si el niño se está portando mal, la madre puede utilizar un tono de voz severo para asegurarse de que le obedecen. El niño reconoce lo que se comunica a través del tono de voz tanto como las propias palabras.
Al interpretar una escena, debes identificar la emoción de tu personaje en cada momento. Debes asegurarte de que tu tono de voz se ajusta al estado de ánimo del personaje y a lo que necesitas comunicar sobre sus sentimientos. Aunque cada uno de nosotros tiene una forma distintiva de hablar, variamos considerablemente el tono vocal para hacernos entender.
Ejercicios de tono vocal
Practica la siguiente línea utilizando los tonos vocales propuestos y observa la diferencia de entonación y emoción.
¿Por qué has venido aquí?
- Un tono de voz amargo.
- Un tono de voz acusador.
- Un tono de voz asustado.
- Un tono de voz de enfado.
- Un tono de voz curioso.
- Un tono de voz sorprendido.
Tono
El tono describe el grado de agudeza o de gravedad de un tono de voz. Por ejemplo, cuando una persona está excitada o nerviosa, su tono puede ser más alto. Si una persona trata de controlar sus emociones o de expresar algo serio o confidencial, puede utilizar un tono de voz bajo.
Practica el uso de una gama de notas en tu voz para que ésta sea flexible y expresiva. Una voz con una sola nota es monótona y, a menos que sea una decisión del personaje, puede resultar muy aburrida de escuchar.
